Tokyo Culture Addiction

建築家の住宅論を読む<6> ～隈研吾の『10宅論』～

 



 
隈研吾は、国内外で数多くの話題作の設計を手がけ、現在は、日本を代表する大型プロジェクトである2020年の東京オリンピックに向けた新国立競技場の設計も進行中という、今や名実ともに日本を代表する建築家のひとりです。
      
建築家の住宅論を読む<6>は、初版当時（1986年）32歳の若き日の隈研吾による『10宅論』（ちくま文庫、1990年）を読んでみます。
    
本作はユニークな日本住宅論であると同時に、鋭い現代日本文化論でもあり、30年以上たった現在もその有効性を失っていません。
     
本書のあとがきで著者本人は、「この本は一種のでっちあげであり、いわばフィクションであり、日本の住宅事情とか、住宅をめぐる現実とは一切関係ない」と煙に巻いていますが、「フィクション」ゆえに有するリアリティは、日本の住宅と日本文化のある側面を鋭く射抜いています。
         
西洋の古典建築では、例えば、イオニア式の頭注（柱の頭に渦巻きが2つ載ったような装飾）が学問を表しているように、モノがあるイメージや内容を象徴しています。
   
一方、日本では、象徴はモノそのものに由来するのではなく、モノが置かれて「場所」に依存しています。「場所」とは物理的な空間だけではなく、共有される感性や価値観など、広義の意味で使われています。
        
日本においては、床の間に置かれた茶花は、主人がわざわざ花を摘んできて客人を歓待していることを象徴しています。野の片隅のありふれた花が、茶会の席や床の間という「場所」に置かれることで特別な意味を持つようになる、日本型の＜場所中心象徴作用＞の例です。
  
コロニアル、プレイリー、フレンチ、スパニッシュ、和風、モダン、折衷など、日本の住宅は、なんでもありの百花繚乱の状態です。日本の住宅は、いろんなモノが節操なく置かれ、複雑で繊細な象徴作用が発動する「場所」なのです。
        
本書は、なんでもありの日本の住宅を10種類に分類し、その象徴する意味を解明していきます。
        
「○○派」と呼ばれる10の住宅スタイル（「場所」のこと）に対応して、その根底にあるイデオロギー（信条や捕らわれている価値観）や家族属性や信奉するメディアや参照される建築様式などが列挙されます。各スタイルをイメージした間取りや使われる素材なども詳しく記述されます。
   
「神は細部に宿る」との言葉どおり、隈研吾による、具体への落としこみと微に入り細を穿つディテールへのこだわりが本書の読みどころのひとつです。「フィクション」がリアリティを纏う瞬間です。
 
例えば、＜アーキテクト派＞と称される一派は、「反ブルジョア的ディレッタンティズム」が根底にあり、「建築ジャーナリズム」を信奉し、「RC打ち放しシリコン系撥水材吹き付けけ」の外観を好む。隈研吾の慧眼は、この世界における簡素だが決して「貧乏くさく」はない美学を切り開いたのが、安藤忠雄だったことを指摘します。
           
例えば、＜住宅展示場派＞の根底にあるのは、「住宅の人生化」という価値観であり、婦人雑誌のインテリア記事やおもてなし記事からの影響を見て取ります。そしてコロニアルやプレイリー風（フランク・ロイド・ライト風）などのデザインが選ばれる理由を、日本と西洋（アメリカ）文化との関係から解き明かしてくれます。
   
＜建売住宅派＞は＜住宅展示場派＞の親戚です。同じ持ち家一戸建て信仰に基づいています。両者の相違は＜建売住宅派＞の「品数の多さ」だとされます。部屋数の多さに始まり、ベージュの壁にまっ青なタイル、和風の屋根にフランス風ドーマーウィンドー、玄関はイタリアンタイルに木目の下駄箱の組み合わせなどなど、同じ値段の買い物なら品数が多いほうがいい、というおなじみの発想法です。
      
例えば、億ション風の外観や高級クラブに居るような豪華な空間にこだわる＜クラブ派＞とは、現実の家庭に居心地を見出せなくなった空虚感が、高級クラブという、理想化され、商品化された「家庭」を逆輸入する形で実現した象徴であると喝破します。
    
＜料亭派＞とは高級料亭にみられる数奇屋風の意匠にこだわった一派であり、そのメンタリティは＜クラブ派＞と同様に、理想化された「家庭」の逆輸入であるののの、唯一、違う点は＜料亭派＞は自分の方が＜クラブ派＞よりも趣味が良く高級であると考えているところだというオチは、思わずぷっと吹き出してしまいます。
         
10という数はたまたまのオープンエンドな数に過ぎません。本書の初版からすでに31年。新しく生まれた「場所」を考えてみるというのも、ゲーム感覚のノリを持った本書にふさわしい読み方のひとつといえるでしょう。今なら、さしずめ＜無印派＞や＜ミニマル派＞や＜トランスパレント派（透明派）＞や＜新町屋派＞などが登場するのでしょうか。
     
冒頭に引用したやや露悪的な「でっちあげ」の告白の後に、隈研吾はこう記しています。
     
「住宅とか空間に対するこだわりとか熱意といったものは、基本的に機能や美や真実とかいったものに対する欲望から派生するのではなく、まさに階級に対する欲望に基づいて生まれているのである」
    
一見、高尚そうにみえる＜アーキテクト派＞も、高級を自認する＜クラブ派＞や＜料亭派＞も、持ち家一戸建てに捕らわれた＜建売住宅派＞や＜住宅展示場派＞も、しょせんは同じ欲望の記号のひとつにすぎない、隈研吾はそう言ったのでした。
  

隈研吾（1954-）
    
東京大学および同大学院で建築を学ぶ。東京大学教授。国内はもとより世界をフィールド活躍する日本を代表する建築家のひとり。個人住宅から、店舗内装、ブティック、美術館、新国立競技場までと作品は多数多岐に渡る。和に由来するルーバーなどをモチーフにした表現は、今日の多くの建築に影響を与えている。実作の前から建築批評を発表するなど著書も多い。代表作は『水／ガラス』、『根津美術館』など。


＊初出 : houzz site



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ものの輪郭を求めて～深澤直人のデザイン～

　優れたデザインは、その行為が個人に由来するものでありながら、同時に他者に対して開かれた客観性のようなものを感じさせるものだ。
　
　深澤直人のデザインもそうしたオープンネスを感じさせるデザインだ。

　優れたデザインを語った言葉を読むのも興味深い。デザインという行為も、言語化という行為も、ともに抽象という行為を含んでいるからであろう。
　
　自分のデザインは、環境とものとの間の関係の輪郭線を決める行為だ、と深澤直人は語っている。その輪郭を見るのがデザイナーという存在であり、彼が見るものは、環境がものに要請している姿、そこに存在すべき姿、であると言っている。
　
　「私たちはデザインで詩を書こうとしている」、「俳句もデザインに似ている」とも語られる。
　
　アメリカのデザイン事務所に勤務していた時にたまたま読んだ、高浜虚子の『俳句への道』のなかの「客観写生」という言葉に衝撃を受ける。「自分を打ち出すだけの句は醜い。主観を消して、淡々と描写してこそ人びとの深い共感をよぶ」。そう書かれていた。「自分の存在を消してしまう。消したからこそ沸き立ってくる美の存在があるということが衝撃だった」と言う。
　
　詩は、誰でも知っている言葉を使いながら、それまで誰も知らなかった美を生み出す、俳句は、誰もが知っている日常を見ながら、それまで誰も気がつかなかった美を生み出す。いずれも個人に由来しながら、主体を超えたところでポエジーが読み手に感得される。ポエジーは本来そこに存在すべき美として、知らず知らず共感されていた美なのだ。だからこそ、詩や俳句は、創造や創作というよりも、生成や到来とニュアンスが近いのだろう。
　
　深澤直人が言う「輪郭」を決める、「輪郭」を見つけるということも、そういうことだ。
　　　　　　　　　　　
　AMBIENTと題された「深澤直人がデザインする生活の周囲展」（2017年7月8日～10月1日＠パナソニック汐留ミュージアム）において、その見出された「輪郭」を改めて見てみた。

 

　《壁掛式CDプレーヤー》（無印良品　1999）は、壁に掛けて紐を引っ張って再生する換気扇のようなデザインが衝撃的だった、深澤直人の名を世に知らしめた初期のプロダクト。ファンの回転とCDの回転、空気が流れ出すということと、音楽が流れ出すということ、この両者にイメージの類似性を感じる感性が軽やかだ。問題解決型ではない、まさにWithout thought（考えずに、思わず）や「行為に溶ける」というキーワードがぴったりの、ひとの無意識の行為や連想から見出されたような（Found object）デザインだ。

　　　　　　　　　　　　　　　 

　《加湿器》（プラスマイナスゼロ　2004）は、デザインレスな実用器具だった加湿器を、インテリアにマッチする家電製品としてデザインするという地平を通り越して、誰も見たことがないオブジェのレベルまで一気に昇華させたようなデザインの作品。内部にある水の存在を感じさせるような丸みを帯びたフォルムやシームレスに整形された作り込みは今見ても新鮮だ。

 

　《シェルフ》（B&B ITALIA　2006）は、厚さ6ミリの人工大理石で作られた、その薄く華奢な存在感が目を見張らせたプロダクト。構造が要請する筋交という部材がきっかけとなり、透かし彫りや無造作に置かれた傾いた本など、日常生活の中のイメージの断片が浮かび上がってくるようなデザインに結実した。このプロダクトの出現によって、本棚はこれまでの重厚なイメージから浮遊し、壁を離れ、本棚の常識が変わった。

 　
　
　《サビア》（ボッフィ　2008）は、白の単純な形態であるバスタブというプロダクトに関して、光と影による微妙なグラデーションとその境に現れるエッジがデザインされ、まさに空間の中にあった本来の「輪郭」を見出したような作品。空間の中に置かれることによって、光と影が生まれ、ものが可視化されるとともに、同時に周りの空間も可視化されるという相互作用を誘発する企てでもある。

 　
　
　《グランデ・パピリオ》（B&B ITAＬＩＡ　2009）と名づけられた、「作りながら自然にでき上がった形だから、二度とできない」と解説されているように、まさに手でものと空間との間の「輪郭」を探り出したかに思えるような造形のソファとオットマン。なにげなく作られたようなごく自然な雰囲気と置くだけで空間の雰囲気が一変する存在感を併せ持ったプロダクトだ。それを製品に仕上げたB&B ITAＬＩＡの技のすごさも漂っている。

　
　
　《モディファイ・スフィア・ペンダント》（パナソニック株式会社　2012）は、球形型ペンダントを最初に発想した人のアイディアを、シェード上部も含めて完全な球体に見えるようにと敷衍させた製品。まさにジャスパー・モリソンのいう「スーパーノーマル」（究極のふつう）という表現がぴったりのプロダクトだ。ものが溢れるなか、「ふつう」を貫き通すこと、「ふつう」を作ることこそが難しいのだ。

 　
　
　《ベント・グラス・ベンチ》（グラス イタリア　2012）は、透明ガラスの一体成型で作られたベンチ。足元と座面に施された微妙なベント（曲げ）の造形だけで、オールガラスのプロダクトにありがちな冷たさを微塵も感じさせない雰囲気を生み出しているのが見事だ。ルーブル美術館に置かれているそうだ。

 　
　
　展示会のタイトルAMBIENTは、深澤直人によって「周囲」や「雰囲気」という意味に解されたコンセプトだそうだ。本来あるべき「輪郭」として環境から見い出されたものたちは、環境へと再び投じられることにより、環境と相互に作用し、その結果、ニュートラルな均質空間は、心地良さやいい雰囲気を伴った、ひとのための空間へと変貌する。
　　
　深澤直人が自分のデザインの目的として語るところであり、優れたデザインの力を物語るエピソードだ。

 

  

＊参考文献　：　深澤直人『デザインの輪郭』、TOTO出版、2005

　　



＊初出 zeigeist site





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